Charlas sobre Arte

Alrededor del mundo del arte he observado varias cosas: que crear es una necesidad para el artista y lo artficial de la distancia entre el artista y “el público”; también he podido percibir un síndrome de artista incomprendido por parte del pintor, como una pretensión de entendidos del arte de muchos que no lo son tanto.

Por otra parte se pretende y a veces exige, que el artista “diga” algo como si cada cosa que se expresara tuviera que ser trascendente sin embargo cada hombre habla, escribe cartas, tararea canciones sin querer decir nada en especial sino sólo expresando lo que sienten mediante estas maneras que muestran su imagen al mundo; lo mismo pasa con quienes, además de todo esto, escriben cuentos, hacen una escultura, en ocasiones no tan bonita como muchos quisieran, mas tan soportable como la conducta de cualquier vecino de los alrededores.

Otro specto de la percepción del arte es esa idea sobre el artista como un ser sublime y arte como algo exótico; no obstante el arte está presente en ifinidad de objetos y acciones cotidianas como la ropa y el acto de vestirse y el artista es un hombre susceptible a las trampas de la vida y los malos vicios como cualquier otro, independiente a su talento.

Todo lo dicho en los párrafos anteriores puede ser totalmente diferente, hay quien sí hace arte para decir algo, el arte sí puede resultar algo exótico y el artista pudiera ser un ser especial al menos por su sensibilidad y su necesidad de hacer y el snobismo puede ser una buena costumbre.

A partir de hoy estaré presente en este rincón de la internet para reflexionar sobre estos temas y más sin intentar cambiar gustos o dictar sentencias para lo que no estoy avalado, sólo intentaré exponer lo aprendido de esta manera unilateral como lo son la mayoría de los puntos de vista, comenzando por compartir, para terminar esta introducción, una regla aprendida: Todo lo que vemos escrito, o escuchamos, absolutamente todo, es relativo, no hay verdad absoluta impresa o publicada por medio alguno, incluida esta que creo estar diciendo, detrás de cada página de un libro, revista, diario o programa radial o televisivo, hay hombres que piensan a su manera, que responden a sus intereses y pueden estar escribiendo desinteresadamente pero cada hombre pertenece a una cultura y a una psicología determinada y tiene criterios personales compatibles con unos e incompatibles con otros o simplemente pueden equivocarse…

Lean, escuchen, hablen, intercambien ideas, háganse su propio criterio, nada es bonito o feo por sí mismo, la belleza, lo bueno y lo malo son conceptos relativos, esa es mi premisa para comenzar a escribir estas charlas con la única intención de acercar al arte a y a los artistas a los ya interesados en este mundo y a quienes lo quieran darle herramientas para hacer una una lectura, quizás un poco más completa del arte visual.

Cultura, arte abstracto y figurativo.

Muchos consideran que el arte es para entendidos y especializados, sin embargo a diario estamos en contacto con la música, el baile, el diseño, sin duda manifestaciones del arte… no obstante es verdad que cuando se trata de alguna lectura algo sofisticada, algún género de música no tan popular o de una exposición de pintura nos enfrentamos a algo al parecer menos asequible. Este material que hoy comienzo a escribir a manera de charla es, precisamente, para quienes sin toda la orientación que quisieran asisten a salones de arte y quieren “entender” lo que allí sucede.

Para comenzar a comunicarnos en un idioma común es bueno definir algunos conceptos que en general se han mezclado y se emplean indistintamente o de manera inadecuada, me refiero a referencias tan comunes como cultura y arte o lo abstracto dentro del arte y por aquí vamos a empezar…

El término cultura es, por lo general, directamente relacionado con el arte mismo y esto es una limitación; la cultura es algo mucho más abarcador, la cultura es lo que identifica a un grupo humano por su época, grupo social, país u otras instancias; es por ello que existe una cultura del Renacimiento o una cultura asiática o una cultura feudal que implica no sólo el arte sino la ciencia, las costumbres, el lenguaje, la religión y todo lo que caracterice el ambiente de ese lugar y tiempo que ha creado el hombre y a su vez inside sobre él; la cultura es cambiante y se gesta diariamente; hoy por hoy tenemos un conocimiento global de aspectos de la cultura de diferentes lugares o épocas y por la vestimenta, idioma, rasgos raciales etc., podemos deducir el origen de alguien, al menos de manera general con sólo mirarlo o escucharlo.

En cuanto a lo abstracto en el arte generalmente lo aplicamos a todo lo que vemos algo “extraño”, a ese dibujo o pintura que no “entendemos” porque las formas y colores están trastocados con respecto a la realidad; he escuchado a quienes ante una obra de Picasso expresan que no le gusta porque es “abstracta”. Para entrar en materia es bueno aclarar que existen dos grandes vertientes formales dentro de las artes plásticas: lo abstracto y lo figurativo, dentro de este último están incluidos todos los intentos por representar alguna figura por “deformada” que sea, es verdad que no es hasta casi finales del siglo XIX que estas “deformaciones” comenzaron a ser algo intolerantes para al público en general, y el más conocido y polémico de los pintores ha sido el mencionado Picasso (Pablo Ruiz Picasso, español 1881-1973) que tras algunas etapas fue el más trascendente artista del movimiento cubista; pero la pintura de Picasso, era tan figurativa como la de Leonardo Da Vinci, autor de la Monna Lisa en el Renacimiento, ambos retrataron a sus modelos y poniéndole los ojos a ambos lados de la nariz o ambos en una mejilla, lo dos se propusieron representar algo del entorno, concreto, palpable… no es así, sin embargo con los artistas realmente abstractos, estos desde que se enfrentan a un lienzo u otro material hablan con lenguaje propio de esa materia; si es pintura: mancha, color, línea, textura; una escultura tiene volúmenes, huecos, texturas también; en esa piedra tallada sin intención figurativa podemos “ver” lo que queramos pero no se puede asegurar que no sea más que un trozo de emociones plasmadas en ese material y es bueno aprender a enfrentarla como a una melodía donde no le pedimos explicaciones al autor, sabemos que es triste o alegre con solo escucharla; es cierto que ciertas intensiones abstractas derivan en lo figurativo pues la mayoría coincide en que aquél circulo es una pelota o que algunos pintores figurativos llegan a imágenes casi abstractas; quedémonos pues con la reflexión del “paisajista abstracto” cubano Pedro Amador quien pinta manchas sugiriendo paisajes (o quien pinta paisajes a base de manchas); él nos dice “No hay nada más concreto que un cuadro abstracto” y se refiere a que lo abstracto nos abre a otro universo, no identificamos un auto, un árbol, una pared, imágenes enfrentadas visualmente a diario, sino que aprendemos a apreciar estos elementos tradicionalmente llamados abstractos reunidos en un lienzo o cartulina, como figuras en sí, con sus denominaciones y carga expresiva: el color, agresivo o relajante; trazos dinámicos o “estáticos”; texturas; el espacio nos da una sensación de acuerdo a como esté utilizado etc.

La abstracción se convirtió en un estilo de principio de siglo, época de origen de muchos de los recursos estilísticos de los pintores contemporáneos y dentro de las abstracción hubo diferentes tendencias, más adelante se puede tratar sobre esto, como de Picasso y el cubismo y los otros cubistas, pero antes de todo esto queda por hablar de otros aspectos del arte mezclados o confundidos; así sucede con realismo y naturalismo… o aprender sobre los aspectos conceptuales y lo formales en el arte, lo clásico dentro del arte, ¿qué es clásico, qué lo define?; Este primer atisbo al mundo del arte deja necesariamente temas sin tocar, también queda por hablar de las diferentes técnicas de las artes plásticas y del surgimiento del arte en el período prehistórico, estos y muchos más temas serán sugeridos por el camino con cada exposición que se vea, por cada duda que inquiete; espero, por lo pronto, haber acercado un poco más a quienes siempre, aún sin una orientación, han completado el gesto artístico al situarse frente a un lienzo u hoja de papel manchado por un artista, pues quien observa y reinterpreta también está creando y lo que nos gusta o rechazamos es porque contiene códigos de comunicación que han provocado estas reacciones, mientras más elementos tengamos en la mano más susceptibles seremos a reaccionar ante la palabra del pintor o el escultor que no es tan directa como la impresa en un libro pero trabaja en el mundo emocional e intelectual con igual intensidad cuando se aprende a mirar.

Pintura

Es frecuente llamar pintura a las obras de arte bidimensionales independiente a la técnica empleada, con frecuencia nos referimos a “pintura” sin saber que podemos estar frente a un dibujo o grabado, de esto se salva la fotografía, estamos seguros de lo que es fotografía, pero a su vez su aspecto tecnológico la hace menos sublime a los ojos del espectador, más hoy con todas las posibilidades de retoque mediante la computación y el surgimiento de cámaras que registran directamente la información visual para procesarlo en computadora; no obstante es bueno saber que el fotógrafo es un artista, un ser sensible a su entorno que no sólo capta las imágenes que están delante de él, sino que las selecciona, decanta de acuerdo a su preferencia y nos ofrece imágenes bellas, grotescas, atrevidas, con intención de denunciar o simplemente enunciar, amen de las infinidades de recursos adicionados en el cuarto de revelado e impresión.

Apartándonos de este paréntesis fotográfico entremos en el tema de las otras técnicas de las artes plásticas donde, repito, es la pintura la más popularmente conocida, muchos saben lo que es un óleo, que se pinta sobre lienzo (aunque no es siempre así, se puede pintar sobre cartulina, madera etc.); el óleo sobre lienzo es una técnica conocida desde el Prerenacimiento, antes de esto la pintura era aplicada generalmente en las paredes con la técnica llamada “al fresco” que consistía en repellar la tal pared con materiales coloreados y pintar así las imágenes deseadas, la tan conocida Capilla Sixtina de Miguel Angel (Miguel Angel Buonaroti, italiano 1475-1564) está hecha en tal técnica. El traspaso de la pintura a un objeto fácil de transportar permitió comenzar a coleccionar estas obras de arte, es lo que se llamó desde entonces “pintura de caballete” por el mueble utilizado por los artistas para sostener el cuadro mientras lo pintan, y es en el Renacimiento que comienzan a surgir los primeros coleccionistas de arte, verdaderos amantes de la pintura que a veces auspiciaban a un artista o varios que generalmente pintaba para esa familia, estos señores eran llamados “mecenas” y los Médici en el Renacimiento fueron bien conocidos y vinculados a varios pintores de la época.

Es bueno conocer que la pintura también se aplicó a las llamadas artes decorativas y hubo los llamados pintores miniaturistas que eran capaces de pintar un paisaje o alguna escena en la tapa de joyero y aún antes del surgimiento del óleo hubo quien decoró cerámicas; aunque con sustancias diferentes se puede decir que la pintura estuvo y está presente en las artes decorativas.

Existen otros materiales para expresarse por el color pues es este, en lo esencial, quien reina en la pintura; hace unas décadas ha surgido el acrílico que se diferencia del óleo en su “aglutinante”, el aglutinante es quien contiene a las sustancias que dan el color, estas sustancias son generalmente de origen mineral (óxidos metálicos) aunque hay de origen vegetal y animal también; en el caso del óleo es la grasa quien aglutina a estos compuestos químicos y el diluyente debe ser capaz de disolver esta para esparcir el color en el soporte escogido, el aglutinante del acrílico, sin embargo, se disuelve con agua, y se seca más rápidamente, en opinión de algunos pintores el acrílico es menos brillante y el secado rápido no es siempre una ventaja; pero existen barnices que pueden dar brillantez a cualquier superficie y también sustancias que retardan el secado.

No son sólo el acrílico y óleo las técnicas de la pintura, muchos conocen la tempera porque es empleada por los niños pero muchos artistas han hecho de esta su medio; cada técnica de pintura tiene su lenguaje y hablar de cada de una de ellas es demasiado exhaustivo, amen de que el artista contemporáneo ha roto todas las reglas y también se hacen obras de técnicas mixtas adonde entran medios no tan tradicionales como los tratados aquí.

No puedo terminar sin mencionar a la acuarela, la cual, según coinciden muchos pintores, es la más difícil de la técnicas de la pintura, invito a cualquier espectador a acercarse a una acuarela lo suficiente para observar el trazo, la pincelada de pintura cayendo una sobre otra y dejando ver detrás el otro color y lo que vemos como luz o blanco es la misma cartulina al descubierto, es una técnica de mucha paciencia y dedicación, particularmente admiro mucho a los acuarelistas; de todos modos no es mala idea acercarse un poco a cualquier pieza y observar los “misterios” de la pintura; frente a una bella tela de Picasso en el museo de Arte Moderno de New York tuve la curiosidad de observar las luces que había aplicado en un volumen del brazo bien de cerca y constatar la fresca pincelada de blanco sobre un lienzo apenas manchado de ocres y tierras, claro que esto no tiene que interesar a todos, en general la obra se aprecia como obra en sí, sin preocuparnos de la manera en que fue hecha o el “trabajo” que se pasó haciéndola, a veces confundimos laboriosidad con talento y el asombro con el sentimiento estético como aquella amiga que me comentaba que le gustaba la ópera por lo asombroso de que aquellas mujeres cantaran como pájaros, esta señora estaba yendo al teatro con la misma actitud que al circo…

Mi pretensión inicial era abordar todas las técnicas en un solo texto; pero cada una tiene material para unos cuantos párrafos, así dejaré para otra charla la escultura y más adelante el dibujo y el grabado y la cerámica. Cada época, artista, o tendencia puede comentarse para ir estableciendo ese necesario acercamiento entre artista y espectador artificialmente divididos cuando, si bien en lados en apariencia opuestos de la obra esta debe servir de vehículo de comunicación pues somos integrantes de un mismo mundo, cada cual con un estilo de vida y modo de ver y de decir las cosas que puede aportar al otro.