Cultura, arte abstracto y figurativo.

Muchos consideran que el arte es para entendidos y especializados, sin embargo a diario estamos en contacto con la música, el baile, el diseño, sin duda manifestaciones del arte… no obstante es verdad que cuando se trata de alguna lectura algo sofisticada, algún género de música no tan popular o de una exposición de pintura nos enfrentamos a algo al parecer menos asequible. Este material que hoy comienzo a escribir a manera de charla es, precisamente, para quienes sin toda la orientación que quisieran asisten a salones de arte y quieren “entender” lo que allí sucede.

Para comenzar a comunicarnos en un idioma común es bueno definir algunos conceptos que en general se han mezclado y se emplean indistintamente o de manera inadecuada, me refiero a referencias tan comunes como cultura y arte o lo abstracto dentro del arte y por aquí vamos a empezar…

El término cultura es, por lo general, directamente relacionado con el arte mismo y esto es una limitación; la cultura es algo mucho más abarcador, la cultura es lo que identifica a un grupo humano por su época, grupo social, país u otras instancias; es por ello que existe una cultura del Renacimiento o una cultura asiática o una cultura feudal que implica no sólo el arte sino la ciencia, las costumbres, el lenguaje, la religión y todo lo que caracterice el ambiente de ese lugar y tiempo que ha creado el hombre y a su vez inside sobre él; la cultura es cambiante y se gesta diariamente; hoy por hoy tenemos un conocimiento global de aspectos de la cultura de diferentes lugares o épocas y por la vestimenta, idioma, rasgos raciales etc., podemos deducir el origen de alguien, al menos de manera general con sólo mirarlo o escucharlo.

En cuanto a lo abstracto en el arte generalmente lo aplicamos a todo lo que vemos algo “extraño”, a ese dibujo o pintura que no “entendemos” porque las formas y colores están trastocados con respecto a la realidad; he escuchado a quienes ante una obra de Picasso expresan que no le gusta porque es “abstracta”. Para entrar en materia es bueno aclarar que existen dos grandes vertientes formales dentro de las artes plásticas: lo abstracto y lo figurativo, dentro de este último están incluidos todos los intentos por representar alguna figura por “deformada” que sea, es verdad que no es hasta casi finales del siglo XIX que estas “deformaciones” comenzaron a ser algo intolerantes para al público en general, y el más conocido y polémico de los pintores ha sido el mencionado Picasso (Pablo Ruiz Picasso, español 1881-1973) que tras algunas etapas fue el más trascendente artista del movimiento cubista; pero la pintura de Picasso, era tan figurativa como la de Leonardo Da Vinci, autor de la Monna Lisa en el Renacimiento, ambos retrataron a sus modelos y poniéndole los ojos a ambos lados de la nariz o ambos en una mejilla, lo dos se propusieron representar algo del entorno, concreto, palpable… no es así, sin embargo con los artistas realmente abstractos, estos desde que se enfrentan a un lienzo u otro material hablan con lenguaje propio de esa materia; si es pintura: mancha, color, línea, textura; una escultura tiene volúmenes, huecos, texturas también; en esa piedra tallada sin intención figurativa podemos “ver” lo que queramos pero no se puede asegurar que no sea más que un trozo de emociones plasmadas en ese material y es bueno aprender a enfrentarla como a una melodía donde no le pedimos explicaciones al autor, sabemos que es triste o alegre con solo escucharla; es cierto que ciertas intensiones abstractas derivan en lo figurativo pues la mayoría coincide en que aquél circulo es una pelota o que algunos pintores figurativos llegan a imágenes casi abstractas; quedémonos pues con la reflexión del “paisajista abstracto” cubano Pedro Amador quien pinta manchas sugiriendo paisajes (o quien pinta paisajes a base de manchas); él nos dice “No hay nada más concreto que un cuadro abstracto” y se refiere a que lo abstracto nos abre a otro universo, no identificamos un auto, un árbol, una pared, imágenes enfrentadas visualmente a diario, sino que aprendemos a apreciar estos elementos tradicionalmente llamados abstractos reunidos en un lienzo o cartulina, como figuras en sí, con sus denominaciones y carga expresiva: el color, agresivo o relajante; trazos dinámicos o “estáticos”; texturas; el espacio nos da una sensación de acuerdo a como esté utilizado etc.

La abstracción se convirtió en un estilo de principio de siglo, época de origen de muchos de los recursos estilísticos de los pintores contemporáneos y dentro de las abstracción hubo diferentes tendencias, más adelante se puede tratar sobre esto, como de Picasso y el cubismo y los otros cubistas, pero antes de todo esto queda por hablar de otros aspectos del arte mezclados o confundidos; así sucede con realismo y naturalismo… o aprender sobre los aspectos conceptuales y lo formales en el arte, lo clásico dentro del arte, ¿qué es clásico, qué lo define?; Este primer atisbo al mundo del arte deja necesariamente temas sin tocar, también queda por hablar de las diferentes técnicas de las artes plásticas y del surgimiento del arte en el período prehistórico, estos y muchos más temas serán sugeridos por el camino con cada exposición que se vea, por cada duda que inquiete; espero, por lo pronto, haber acercado un poco más a quienes siempre, aún sin una orientación, han completado el gesto artístico al situarse frente a un lienzo u hoja de papel manchado por un artista, pues quien observa y reinterpreta también está creando y lo que nos gusta o rechazamos es porque contiene códigos de comunicación que han provocado estas reacciones, mientras más elementos tengamos en la mano más susceptibles seremos a reaccionar ante la palabra del pintor o el escultor que no es tan directa como la impresa en un libro pero trabaja en el mundo emocional e intelectual con igual intensidad cuando se aprende a mirar.